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miércoles, 13 de enero de 2016

Nat King Cole








Infancia y Chicago :
Su padre Don Edward Coles era carnicero y diácono en la Iglesia Baptista. Su familia se trasladó a Chicago cuando Nat era todavía un niño. Allí, su padre se convirtió en ministro de la iglesia y su madre, Perlina Adams, en la encargada de tocar el órgano de la iglesia. Fue la única maestra de piano que tuvo Nat en toda su vida. Aprendió tanto jazz como música gospel, sin olvidar la música clásica.

La familia vivía en el barrio de Bronzeville, famoso a finales de los años 20 por su vida nocturna y sus clubes de jazz. Nat visitó con frecuencia estos locales, escuchando a artistas como Louis Armstrong o Earl Hines.

Inspirado por Hines, Nat inició su carrera artística a mediados de la década de los 30 cuando aún era un adolescente. Adoptó el nombre de Nat Cole, abandonando la "s" de su apellido familiar. Su hermano mayor, Eddie, bajista, se unió a la banda de Nat cuando este realizó su primera grabación en 1936. Tuvieron un cierto éxito como banda local en Chicago y se convirtieron en habituales en los escenarios de los clubes. De hecho, el sobrenombre de "King" (rey) se lo dieron a Nat en uno de estos locales. Cole participó también como pianista en una gira junto a Eubie Blaker. Cuando la gira llegó a Long Beach (California), Nat decidió establecerse allí.


Los Ángeles y el "King Cole Trio" [editar]Nat Cole junto con otros tres músicos formaron el grupo "King Cole Swingers" con el que actuaron en numerosos locales. Nat se casó con Nadine Robinson y se trasladó a Los Ángeles donde formó el "Nat King Cole Trio". El trío estaba compuesto por Nat al piano, Oscar Moore a la guitarra y Wesley Prince al Bajo. El trío actuó en Los Ángeles desde finales de los 30 y participó también en numerosos programas de radio.

A Cole se le consideraba un pianista de jazz brillante. Apareció, por ejemplo, en los primeros conciertos de "Jazz en la Filarmónica" (JATP). Un grupo compuesto únicamente por piano, guitarra y bajo en la época de las grandes bandas significó una auténtica revolución e impuso un estilo que más tarde imitarían otros grandes del jazz y del blues como Charles Brown y Ray Charles. Cole actuó también como pianista acompañante de artistas de la categoría de Lionel Hampton.

Sin embargo, Cole no consiguió llegar al gran público hasta "Sweet Lorraine" en 1940. Aunque había cantado diversas baladas con el trío, se avergonzaba de su voz y jamás se consideró un buen cantante.

A principios de los años 40, el "King Cole Trio" firmó un contrato con la discográfica "Capitol Records" con la que continuó durante el resto de su carrera. En la década de los 50, la popularidad de Cole era tanta que el edificio de la "Capitol Records" era conocida como "la casa que construyó Nat".


Carrera como cantante [editar]Su primer éxito como cantante lo obtuvo con "Straighten Up and Fly Right", basada en una leyenda afroamericana que su padre había utilizado como tema para sus sermones. Se considera que esta canción es la predecesora de las primera grabaciones de rock and roll.

Cole alcanzó el número uno de ventas en 1950 con la canción Mona Lisa. A partir de ese momento se inició una nueva etapa en su carrera, y se convirtió principalmente en cantante de baladas aunque no olvidó sus raíces en el jazz lo que no evitó que algunos críticos le acusaran de "haberse vendido" a la música comercial.

Nat King Cole se convirtió en el primer afroamericano en tener un programa de radio propio y en 1950 repitió la proeza, esta vez en un programa de televisión. Cole luchó durante toda su vida contra el racismo y se negó a actuar en los lugares en los que se practicaba la segregación racial. En 1956, mientras actuaba en Alabama, sufrió un ataque por miembros del "Consejo de ciudadanos blancos" que pretendían secuestrarle. A pesar de que sufrió diversas heridas completó la actuación en la que anunció que no volvería nunca más a actuar en el sur.

Se casó por segunda vez con Maria Ellington con la que tuvo cinco hijos, dos de ellos adoptados. Su hija Natalie Cole es también cantante. Cole, fumador empedernido, falleció de cáncer de pulmón en 1965.

En julio de 2003 musicólogos británicos encontraron importantes similitudes en la letra y los esquemas rítmicos de "Yesterday" y la canción "Answer Me" de Nat King Cole, lo que dio lugar a especulaciones de que McCartney había sido influido por esa canción [1]. Otros afirmaron que McCartney podría haberse basado inconscientemente en la versión de Ray Charles de "Georgia On My Mind" [2].

Una versión aún más confiable, ya que fue declarada por amigos del propio McCartney en 1995 pero con su anuencia, a 30 años de la edición de la canción, es que el sueño que había tenido aquella noche había sido con su madre, Mary Patricia Mohin, fallecida cuando él era un adolescente. El "¿Por qué ella tuvo que irse...?" y otras partes de la letra hacen referencia a su progenitora, y si bien se trata de una canción de amor, no lo es a una pareja sino como amor filial.


Nat King Cole en español [editar]En 1958, Nat "King" Cole extendió aun más su popularidad mundial a los países hispanoparlantes al grabar algunas de sus interpretaciones en español. Para ello, en estudios de La Habana (hoy pertenecientes a la discográfica cubana EGREM) y de México, grabó su primer LP en este idioma, titulado Cole Español haciéndose acompañar por la orquesta de Armando Romeu hijo y de un conjunto de mariachis, algo sorprendente en un artista proveniente del jazz. Este álbum le reportó tanto éxito que comenzaron a llegarle contratos para actuar en tales países. En este sentido, es de destacar que cuando Cole actuó en Caracas, en ese mismo año, contratado por el presentador de TV Renny Ottolina el cantante le preguntó por las canciones venezolanas más populares. El presentador respondió que el famoso vals venezolano Ansiedad (compuesto por José Enrique "Chelique" Sarabia) era una de ellas. Así pues, con la ayuda de Ottolina y de Sarabia, Nat "King" Cole aprendió frase por frase este tema, ya que no sabia hablar español y carecía de habilidades para aprender idiomas. Finalmente, este tema fue incluido en su siguiente álbum en español y portugués A Mis Amigos (1959). Este ciclo se cierra, con su última grabación en español titulada More Cole Español (1962).

Como curiosidad, cabe señalar que, en 1983, un empleado de la filial holandesa de su casa discográfica (Capitol Records) descubrió en los archivos, grabaciones de Cole que habían quedado inéditas a su muerte, entre ellos un tema en japonés, algunos en inglés y uno en español, titulado Eres Tan Amable. La disquera ordenó la emisión de un nuevo álbum con estas canciones, titulado "Nat King Cole: Unreleased". Después de la llegada de la tecnología del disco compacto fueron nuevamente editados estos temas.

A pesar de su acento peculiar, esto no fue obstáculo para popularizar diversos temas, entre románticos y bailables. Entre sus temas más conocidos en idioma español, destacan:

Fuentes : Wikipendia. Ir a la página.

sábado, 18 de abril de 2015

Frases sobre Mozart




Entérate Mozart. El genio de la vida tormentosa
- “Me preguntaba diez veces al día si le quería; y si bromeando le respondía que no, las lágrimas brillaban en seguida en sus ojos”. Andreas Schachtner, trompetista y amigo de la familia Mozart, en un testimonio sobre su infancia.
- “Era un hombre pequeño, muy delgado y pálido, con profusión de finos y hermosos cabellos de los que estaba muy orgulloso. Tenía buen corazón y siempre estaba dispuesto a ayudar; pero cuando tocaba era tan susceptible que, si se hacía el menor ruido, se paraba inmediatamente”. O’Kelly, un cantante al que Mozart había recomendado no ser compositor.
- “Mi hermano fue un niño hermoso, pero una desgraciada enfermedad de viruela desfiguró un tanto su delicado rostro, y tras su llegada de Italia, la languidez de su piel le alejó aún más de esos rasgos originales”. Nannerl Mozart.
- “Habrás podido ver por esta carta que cuando Wolfgang hace nuevas amistades, en seguida quiere darles su vida y sus bienes. De cuando en cuando le hago alguna reflexión sobre lo que no le conviene, pero no le gusta”. Su madre, Ana María.
- “El verdadero genio sin corazón es un contrasentido. Porque ni una inteligencia elevada, ni la imaginación, ni las dos jutas hacen al genio. ¡Amor! ¡Amor! ¡Amor! He aquí el alma del genio”.
- Las personas nobles no deben casarse ni siguiendo sus gustos, ni por amor, sino solamente por el interés. Pero nosotros, pobres gentes del pueblo, no solamente estamos obligados a tomar una esposa a la que amemos y que nos ame: podemos y queremos tomar una que sea así”.
- “Si tuviera que casarme con todas las que he tonteado, tendría doscientas mujeres”.
- “Dadme el mejor piano de Europa, pero con oyentes que no comprendan nada, o que no quieren comprender, y que no sientanconmigo lo que toco, y perderé toda alegría”.
- “A veces no encuentro en las cosas ningún sentido. No siento alegría por nada. Lo que me reanima por encima de todo es que, si no siempre puedo hablar, al menos puedo pensar como quiero”.
- “¡Tengo un deseo inexplicable de escribir de nuevo una ópera. Soy más feliz cuando tengo algo que componer. Es mi única alegría y mi pasión”.
Fuente: Saraí Cabral. El Universal

lunes, 13 de abril de 2015

El clavichembalo




El clavicémbalo
El clavicémbalo, entre los que se incluyen las espinetas y virginales ( en inglés: harpsichord; en francés: clavecin, épinette; en alemán :klavicimbel, clavicembalo, cembalo, spinett; en italiano : clavicembalo, gravicembalo , spinetta). Su aspecto recuerda al de un gran piano de concierto, aunque más estrecho; la espineta es un polígono con forma de ala y el virginal es rectangular. Las cuerdas de alambre del clavicémbalo se extienden desde donde se sienta el intérprete, como en un gran piano de cola, mientras que las de las expinetas y virginales van de la izquierda a la derecha, como en el clavicordio. Aunque el clavicémbalo suele incluir varios perfeccionamientos más o menos complicados que no aparecen en los otros dos instrumentos, el mecanismo básico de los tres es el mismo.

En el extremo de cada tecla hay una delgada pieza recta de madera que recibe el nombre de martinete, cuya parte superior está al mismo nivel de las cuerdas. Sobresaliendo del costado del martinete y descansando normalmente por debajo de las cuerdas, hay un plectro de piel o púa. Cuando se oprime la tecla, se levantan el martinete y el plectro, que pulsa las cuerdas al pasar haciéndolas vibrar en toda su longitud para producir la nota requerida. Cuando se suelta la tecla, el martinete regresa a su sitio original ( recurso ingenioso que permite que el plectro roce las cuerdas sin hacer ruido); la cuerda se amortigua gracias a un pedacito de fieltro unido a la parte superior del martinete y deja de sonar la nota. Tampoco este instrumento tiene pedal sostenedor.

El clavicémbalo tiene con frecuencia dos y a veces hasta tres teclados( aunque no la espineta y el virginal). Suele poseer más de un grupo o juego de cuerdas, junto con los martinetes y plectros necesarios para hacerlas funcionar. Mediante tiradores o registros accionados con la mano o los pedales, el intérprete puede usar el grupo de cuerdas que quiera, o combinarlos según los necesita. La acción puksante de estos tres instrumentos produce un sonido más fuerte y brillante que el del clavicordio. Además , son relativamente insensibles a las variaciones de la presión del intérprete y, por consiguiente, no se pueden equiparar a la variedad dinámica y tímbrica del clavicordio.

La espineta y el virginal sólo tienen un grupo de cuerdas y de martinetes y, por tanto, se ven limitados a un solo tipo de timbres. Por otra parte, el clavicémbalo , que digamos, cuenta con dos teclados, tres grupos de cuerdas ( dos de una extensión de ocho pies y uno de cuatro ) y cuatro tiradores o pedales, puede producir una gran variedad dinámica y de timbres, aunque no un crescendo o diminuendo graduales, ya que los cambios siempre se hacen siguiendo pautas claramente definidas.

Debido a sus limitacione tímbricas , la espineta y los virginales eran básicamente instrumentos caseros. El clavicémbalo, con su mayor variedad y potencia, cumplía las mismas funciones tanto en público como en privado, de igual manera que el piano de cola en la actualidad.

Tanto los clavicémbalos como los clavicordios a veces tenían un panel o teclado de pedales, como , los órganos. Estos se usaban básicamente para permitir que los organistas practicasen en sus casas, sin tener que contar con la ayuda de una persona para el fuelle.



Fuentes: Iniciación a la música. La música para teclado. Denis Matthews.

miércoles, 23 de abril de 2014

Bach Complete Lute Works,Konrad Junghanel


Complete Lute Works,Konrad Junghanel



 
Gracias por compartir. Me gustaría tener la libertad de añadir las horas de inicio para el beneficio de aquellos que no conocen bien las piezas, y me pregunto dónde termina una y comienza la siguiente:
BWV 995 00:0 a 24:00
BWV 997 24:02
BWV 999 46:36
BWV 1000 48:15
BWV 998 54:00
BWV 996 1:07:30
BWV 1006a 01:24:20 ~

miércoles, 12 de febrero de 2014

Romanzas sin palabras. Mendelsshon.

Comienzo el día escuchando romanzas sin palabras de Mendelsshon




Felix Mendelssohn
(Hamburgo, 1809 - Leipzig, actual Alemania, 1847) Compositor, pianista y director de orquesta alemán.Robert Schumann definió a Felix Mendelssohn como «el Mozart del siglo XIX, el músico más claro, el primero que ha sabido ver y conciliar las contradicciones de toda una época». No le faltaba razón: su música, de una gran perfección técnica y formal, es una espléndida síntesis de elementos clásicos y románticos. Romántico que cultivaba un estilo clásico o clásico que reflejaba una expresividad romántica, Mendelssohn fue uno de los músicos más influyentes y destacados del romanticismo.

Felix Mendelssohn
Segundo de cuatro hermanos, nació en el seno de una familia de banqueros de origen judío, que se había convertido al protestantismo. Niño prodigio, pronto dio muestras de un inusitado talento no sólo para la música, sino también para el dibujo, la pintura y la literatura. Sus dotes fueron estimuladas por un ambiente familiar en el que siempre se alentaron las manifestaciones artísticas.
Alumno de composición de Carl Friedrich Zelter –a través del cual conoció al gran Goethe–, los primeros trabajos de Mendelssohn en este terreno se tradujeron en doce sinfonías para cuerda, algunas pequeñas óperas, un Octeto para cuerda y la oberturaEl sueño de una noche de verano. Estas dos últimas obras marcan el inicio de su madurez como compositor.
Fue, además, un buen intérprete de violín, viola y piano, facetas a las que más tarde se añadiría la de director de orquesta. En este ámbito, una de sus primeras y más recordadas actuaciones tuvo lugar en 1829, cuando interpretó en Berlín la Pasión según san Mateo, de Bach, en un concierto que supuso la recuperación de esta obra después de un siglo de olvido. Bach, junto con Mozart y Haendel, constituiría uno de los pilares de su estilo.
Pocos años más tarde, en 1835, le fue confiada la dirección de la orquesta de la Gewandhaus de Leipzig, cargo que ejerció hasta su prematura muerte. Su hermana Fanny Mendelssohn (1805-1847) fue también compositora de talento, autora de valiosos lieder y piezas para piano.

miércoles, 27 de noviembre de 2013

Stabat Mater, Rossini.



Gioacchino Rossini - Rossini: Stabat Mater - Introduzione for Soli, Choir & Orchestra on MUZU.TV.

Biografía  ( Fuentes: Wikipendia)

Rossini nació en Pésaro, hijo de Giuseppe, apodado "El vivaz", cornista de oficio, y de Anna Guidarini, cantante en los teatros locales. Tocando en la banda municipal a los seis años, Rossini mostró un extraordinario genio musical desde la más temprana edad y estudió música con su padre. Aprendió a tocar la espineta con el vinatero Giuseppe Prinetti; posteriormente estudió con el canónigo Giuseppe Malerbi, en cuya biblioteca leyó las partituras de grandes compositores del pasado. En Bolonia tuvo por primer profesor a Angelo Tesei e ingresó en el prestigioso Liceo Musical, bajo la tutela del sacerdote Stanislao Mattei, y ganó un premio por una cantata que compuso a los dieciséis años de edad.
Como clavecinista acompañante en teatros, Rossini fue llamado para componer una ópera breve en 1810 y, dado el éxito que logró, siguió componiendo, particularmente en Venecia y en Milán, con éxitos sonados en la mayor parte de los casos (su séptima ópera conquistó La Scala con cincuenta y tres funciones iniciales) y repentinos fracasos, pero afianzándose como el primer compositor de su tiempo, a pesar de no contar siquiera veinticinco años de edad. En esos momentos, Rossini llevó a la perfección musical el género bufo. Tuvo la ventaja de contar, ya en esta primera etapa, con grandes cantantes, en quienes pensaba al momento de desarrollar la melodía de los personajes, considerando las posibilidades de sus voces. Algunos de ellos eran Marietta MarcoliniFilipo Galli y Paolo Rosich.
En 1815 fue contratado por el sagaz empresario Domenico Barbaia para componer en Nápoles los teatros que administraba él con subvención gubernamental, el Teatro de San Carlos y el Teatro Del Fondo, en donde produjo óperas serias de inmenso valor para las voces más imponentes puesto que en la compañía de Barbaia se encontraban las más grandes luminarias del tiempo como Manuel GarcíaIsabella Colbran (quien sería luego esposa de Rossini), Giovanni Rubini y otros. Mientras tanto, Rossini también recorre Italia, y creó óperas de todos los géneros (serio, semiserio, bufo), cuya influencia fue absoluta para todos los compositores posteriores y aun contemporáneos, y representó las ya creadas, que contenían melodías que se convertían en hitos inmediatos y permanentes.
En 1816 estrenó, en el Teatro Argentina de Roma y con argumento de Cesare Sterbini, una de las más famosas obras del repertorio operístico: El barbero de Sevilla. Basada en la trilogía literaria del barón francés Pierre-Augustin de Beaumarchais, cuya segunda parte, Las bodas de Fígaro, fue musicalizada por W. A. Mozart, fue durante sus primeras representaciones un fracaso. Posteriormente, Giuseppe Verdi y otros compositores la alabarían efusivamente, y alcanzaría una inmensa fama. Previamente puesta en música por el respetado compositor tarantino Giovanni Paisiello, el Barbero, como muchas otras óperas de Rossini, borró del cartel permanentemente las obras de grandes compositores como Nicola Antonio ZingarelliSaverio MercadanteSimon MayrFerdinando Paër, Mosca, Carlo Coccia y el propio Paisiello.
Caricatura de Rossini en la portada de Le Hanneton, 1867. Algunas de las obras de Rossini, conservador por naturaleza pero innovador por sus enormes dimensiones creadoras, sientan las bases delRomanticismo desarrollado por los compositores sucesores
.
En 1823 presentó su última ópera en ItaliaSemíramis, y se trasladó a Francia (desde donde viajaría en 1824 a Londres en una exitosa gira que le produjo reconocimientos extraordinarios y jugosos estipendios); en París compuso una ópera que celebraba la coronación de Carlos X de Francia, y también su última ópera bufa, además de reelaborar otras dos obras italianas, y en 1829Guillermo Tell, que supuso su definitiva consagración.
Curiosamente, ésta sería su última ópera, aun cuando le quedaban cuatro decenas de años de vida por delante. Sigue siendo un misterio por qué dejó Rossini de componer óperas tras Guillermo Tell; son muchas las teorías que tratan de dar respuesta a este interrogante, desde el hastío hasta la falta de necesidad, dada la riqueza que ya había acumulado, pasando por abundantes dificultades de salud (gonorrea y ciclos maníaco-depresivos), o quizá porque las circunstancias políticas así lo determinaron. Sin embargo, aunque no volvió a componer otra ópera, no abandonó el mundo musical, y se hizo cargo de la dirección del Théâtre-Italien y del Liceo de Bolonia y siguió componiendo muchísimas obras breves (sin dejar a un lado su otra gran pasión, la gastronomía), así como varias obras religiosas y profanas notabilísimas.
Había contraído nupcias con la cantante española Isabella Colbran en Castenaso, en 1822, pero se separaron legalmente en 1837, y entonces él se fue a vivir con Olympe Pélissier, con quien se casó en 1846, una vez que murió Isabella en 1845. Durante su vida, Rossini recibió las condecoraciones más importantes de Francia e Italia y un gran reconocimiento por parte de sus colegas de profesión; así, tras la entrevista que Rossini y Richard Wagner tuvieron en 1860, el último declaró que, de todos los compositores que había conocido en París, el único verdaderamente grande era Rossini, a quien veía muy serio y sencillo, pero mal comprendido por el público.

Su muerte[editar · editar código]

Tumba ahora vacía de Rossini en el célebre Cementerio del Père Lachaise en París.
Rossini falleció en Passy, cerca de París, en 1868. Mientras miles de voces entonaban la plegaria de su Moisés, fue enterrado en el parisino Cementerio del Père-Lachaise. Sus restos fueron trasladados en 1887 a Florencia, donde descansa en la Basílica de la Santa Croce, junto a otras glorias de Italia: Galileo GalileiDante y Miguel Ángel. Dejó un legado monetario realmente considerable, del que destinó fondos para la creación de un asilo para músicos retirados (existente aún hoy) y otras obras de beneficencia. Había sobrevivido a muchos de sus sucesores en el trono de la ópera italiana (Vincenzo BelliniGaetano Donizetti,Giacomo Meyerbeer), al tiempo que coincidió con la aparición de Giuseppe Verdi y de Richard Wagner.
Giuseppe Verdi convocó a los mejores compositores italianos a componer una misa de Réquiem en honor del Cisne de Pésaro (forma poética con la que se denomina a Rossini). Dadas las circunstancias políticas adversas, no se estrenó esa obra y Verdi usó su contribución, el Líbera me, en su propio Requiem, dedicado a Alessandro Manzoni. El director Helmuth Rilling ha exhumado y grabado la obra en la actualidad.
Nicoló PaganiniFrederic ChopinMauro GiulianiLouis NiedermayerOttorino Respighi y otros renombrados compositores han creado variaciones, orquestaciones y adaptaciones de múltiples obras rossinianas. Y los afamados tournedos Rossini, así como muchos otros platos de cocina, son designados en honor al célebre compositor, que era un consumado gastrónomo.

La interpretación rossiniana[editar · editar código]

Rossini
El grado de dificultad vocal de las óperas rossinianas es tan extremo que, desde mediados del siglo XIX hasta la década de 1970, muchas de sus obras eran prácticamente imposibles de cantar; ello fue posible con la irrupción de supercantantes tales como Giulietta SimionatoRenato CapecchiFrancisco AraizaRockwell BlakeErnesto PalacioChrist MerrittMarilyn HorneSamuel Ramey y otros, que emulan a los grandes Giovanni DavideFilipo GalliGeltrude Giorgi-Righetti y Andrea Nozzari, destinatarios originales de las obras.
En la actualidad destacan como tenores especializados en Rossini: Juan Diego FlórezGregory KundeWilliam MatteuzziAntonino SiragusaKenneth Tarver y Lawrence Brownlee); como bajos, destacan en elsiglo XXSamuel RameyPaolo MontarsoloRuggero RaimondiFernando CorenaJohn Del CarloJustino Díaz y Michele Pertusi, además de barítonos de sobrada solvencia vocal rossiniana, como el veterano Alessandro Corbelli.
La importancia que concedió a la voz femenina sobresale en la cuerda de mezzosoprano, para la que escribió muchos papeles con intrincadas coloraturas, con lo que dio origen a un tipo especial de variante dentro del registro. Aún en vida del compositor, fue adulterado estilísticamente por la imposición de otros patrones del momento y por el deseo de abordar tales personajes por importantes divas cuya tesitura era de soprano. Así, los grandes papeles (Rosina, Angelina, Isabella, Tancredi, etc.), originalmente pensados para mezzosoprano fueron y frecuentemente son interpretados por sopranos ligeras.
Hacia 1925, la mezzosoprano barcelonesa Conchita Supervía retornó a las claves originales, y motivó así el principio de una revalorización histórica, seguida por las italianas Giulietta Simionato y Fiorenza Cossotto. En general su obra fue bien aceptada, sin embargo Beethoven consideraba como "composición infantil" a la obra de Rossini. Su obra ya en el 1900 era ampliamente desestimada. Las habilidosas arias de sus óperas se habían vuelto durante mucho tiempo instrumentos usados por las sopranos lírico-ligeras para mostrar su virtuosismo, de manera que perdían toda gracia , sentido y estética. La única opera que había perdurado y que aun se representaba era "El barbero de Sevilla". Maria Callas tuvo un papel importante en reivindicar la obra de Rossini pues en su intento de renovar y vivificar la ópera, pudo darle a sus operas un talante dramático, vivaz y sentimental, demostrando así que incluso el bel canto podía ser tratado con realismo y dramatismo a la vez que eliminó con buen gusto las excesivas cadencias y fiorituras y coloraturas innecesarias que deformaban las arias . Gracias a ella se volvieron a representar operas como "Semiramide" , "Il turco en Italia" o "La italiana en Argelia", y hasta el día de hoy se representan.
Entre las sopranos, han destacado Maria Callas (como Rosina, Armida y Fiorilla de Il turco in Italia), Luciana SerraKatia RicciarelliLella CuberliMontserrat CaballéJoan Sutherland (como Semiramide. También Edita Gruberova), Beverly Sills,June AndersonDiana Damrau y Mariella Devia, entre otras.
Asimismo en nuestros tiempos, contratenores como David Daniels interpretan los roles para castrati o travestidos, a la usanza original.
Eruditos como Philip GossettBruno CagliAlberto ZeddaR. CellettiAzio Corghi y Richard Osborne se han ocupado del Cisne de Pésaro y han desenmarañado su biografía y su obra musical.
Existe en Italia la Fondazione Rossini di Pesaro, que se dedica a presentar la música del maestro en el Festival Rossini, a conservar los documentos que le pertenecieron, a dar a conocer la vida y la obra, a atesorar las partituras autógrafas y a elaborar ediciones críticas de sus composiciones, entre otras tareas.
Existe también la Fundación Rossini de México que, como su hermana mayor, presenta el Festival Rossini en ese país con una difusión de la figura del músico italiano. Y en WildbadAlemania, se presenta un Festival Rossini con óperas cortas y menos conocidas.

Obras[editar · editar código]


Obras religiosas:

Cantatas:

Himnos y coros: